ARTEVISTAS GALLERY

ME LATA presenta la seva primera exposició:  “Como decirte otra vez te quiero”. Segur que passejant pel barri del Raval de Barcelona t'has topat amb una frase de bon rotllo escrita en llaunes i penjada amb estil a la paret i t'has preguntat qui feia això. Doncs els responsables són ME LATA, pseudònim sota el qual amaguen la seva identitat una parella d'artistes de carrer.
Durant anys han usat la seva original obra per enviar missatges d'amor, esperança i il·lusió, sempre en positiu, aportant bona energia als veïns i a qualsevol que es creui amb el seu treball.
Missatges que dibuixen en diferents tipus de llaunes i després disposen a la ubicació triada de forma improvisada. Col·loquen la seva obra tant de dia com a l'empara de la nit, sempre ràpid, discretament, per mantenir el caràcter independent i transgressor de la seva obra. En una singular labor de reciclat, empren tot tipus de llaunes per donar-li una nova vida al vell i usat, pintant-les amb pinzell, aerosol, retolador i fins i tot els dits. Inicialment utilitzaven llaunes de begudes, però ara ja incorporen totes les varietats de recipients de llauna.
A ME LATA els agrada treballar amb música, una banda sonora que compartiran amb el públic que visiti l'exposició. “Como decirte otra vez te quiero” repassa l'extraordinària evolució de la parella, en la qual obres de gran format, instal·lacions i escultures evidencien el talent i la creativitat d'aquests artistes que han fet del carrer el seu museu.

Lamentablement som mortals, ens esforcem a creure que transcendirem o a creure que no ho farem, però en realitat no ho sabem. Del bressol a la tomba hi ha un viatge, sempre massa curt, de vegades ni massa. Per a la filosofia oriental el vell no està més prop de la mort, està més lluny... cada segon que passa és un regal de la vida, la mort és equidistant a tots els éssers humans, els nens moren.

Amb Memento Mori poso èmfasi en alguna cosa fonamental i al seu torn tabú del nostre pensament occidental com l'és el principi bàsic de la vida, la seva finitud. Tinc la necessitat de transmetre aquest pensament a través de la meva obra, que aquesta vegada he decidit  sigui clara i concisa, material i figurativa; no he volgut deixar marge al dubte, ni transmetre emocions abstractes i somiadores que deixin pas a la lliure interpretació.

En un món tan atropellat per la imatge i el so, on es mira però no s'observa, ni hi ha temps per a la contemplació us proposo una qüestió directa, un crit sobre la nostra pròpia existència: Som o no Som? jo crec que no Som, aquest és el motiu que puguem ser-ho tot.

Les obres d'aquesta exposició van ser creades a Xangai, Aviñó, Barcelona i Lisboa, on va viure l'artista. Inspirades per aquests llocs i formats per emocions, "moments de vida", relacionades amb l'experiència emocional i social de l'instant.

Aquests treballs fets de collages pintats i repintats, esborrats, juxtaposats i superposats donen testimoni d'una introspecció en l'interrogatori perpètua.

El treball transcriu la relació complexa entre les emocions profundes i les reaccions gairebé instantànies del món exterior.
Les impressions i les inscripcions pictòriques donen una consistència i intensitat molt particular a les composicions, on el cartró pren una altre dimensió perquè és una part integral de l'obra. Es combina amb tocs fluïts i espasmòdics que es relacionen amb els estats d'ànim i les experiències. La forma es converteix en textura i viceversa fins que sorgeix la composició, intencionadament o no, impresa amb l'emoció del moment. El treball és la síntesi d'aquest procés.

Al final, aquest diàleg pictòric entre les emocions intrínseques i el qüestionament de la societat és només un començament etern quan cada obra es fa realitat.

La galeria Artevistas es complau a compartir amb vostès les obres més recents de Cesar Biojo. A l'exposició "Still", l'artista mai deixa de qüestionar l'equilibri i la coexistència de les dues forces oposades que caracteritzen la seva obra, la seva creació i la seva destrucció. Encara que l'element del temps segueix sent el principal protagonista de la seva obra, apareix un nou element en la seva història: la immobilitat. Això ha invertit l'actitud de l'artista després del seu nou i intens descobriment de la meditació que ha estat practicant durant un any. Aquest nou treball fa un gir lleuger tractant de capturar i dir la immobilitat necessària per assolir un estat complet de meditació. A través del seu procés de pintura accidental, Cesar tracta en va, com ell diu, per simbolitzar la seva pròpia lluita per meditar en un va esforç per trobar l'equilibri perfecte entre el fer i no fer. "Encara" és més una pregunta que una resposta a les aventures personals del seu propi procés com a pintor i ésser humà.
 

"Línia íntima" parteix de dues idees clares: la línia (com a element matemàtic) i la intimitat (com a condició subjectiva), però sense cap relació aparent. Per això fer de la línia una cosa íntima sembla un sense sentit, però per Mariko Kumon, aquesta línia transmutada en filferro és la representació personal de les seves idees i pensaments. Una línia que, a mesura que es corba, es retorça i s'ondula, va buscant el seu propi espai des de dins cap a fora.

"Així com les aranyes produeixen un fil per fer una xarxa i els cucs de seda teixeixen el seu capoll, jo produeixo la meva feina des de l'interior cap a l'exterior. A través de la recuperació de les meves memòries i sentiments. "

Les línies de Mariko s'entremesclen a més amb materials orgànics i elements de la natura i través del seu poder suggestiu ens transmet estats d'ànim, construint així un llenguatge personal en el qual va encaixant contraposicions. El ferro es doblega i es torna mal·leable, el paper es torna rígid i resistent ... i el que estava dins és vessat a fora.

"Al principi només expressava la meva idea amb discreció. Però un dia vaig descobrir que hi ha gent que entén perfectament la meva intenció. A partir de llavors em va entusiasmar crear un diàleg a través del qual puc transmetre el que sóc i el que sento. "

Qui coneix l'obra de Rose Madone no podrà negar l'energia que transmet, que es desborda en cadascuna de les seves peces. Una obra impulsiva i espontània, en la qual les emocions són bolcades.
Com una mena de diari, cada nova peça reflecteix les sensacions que l'envaeixen en el dia a dia: l'angoixa i l'enuig, l'amor i la reconciliació, la llibertat i els somnis. Una expressió personal i íntima d'aquestes sensacions que tots experimentem i compartim.
Com les pròpies contradiccions, el blanc i el negre s'oposen i es complementen en tota la seva obra, com a metàfora de la violència amb què vivim totes aquestes passions. El beix, apareix per endolcir i desdramatitzar tota aquesta imatge aparentment agressiva, de manera que el conjunt s'equilibra i el caos s'ordena.
No obstant, en aquesta nova sèrie Rose Madone fa un salt cap endavant, els elements que sempre l'havien acompanyat -ganivets, pistoles i roses- s'entremesclen ara amb noves formes -cossos, màscares i calaveres-. Enriquint el seu propi univers simbòlic ens introdueix en el següent nivell d’aquesta feminitat que està a la base de la seva obra i ens comunica la seva evolució. És la Dona 2.0.

TOTEM

Ser mític i sagrat (generalment d'espècies animals o també vegetals) que representa l'esperit protector i missatger d'un individu o d'un grup d'humans.

Julián García Hernández presenta a Artevistas seva nova exposició "Obra Recent". Com el propi títol indica ens trobarem davant els darrers treballs de l'artista, que segueix fidel a les seves temàtiques recurrents: l'Art i la crítica al consum de masses.
"Obra Recent" proposa un itinerari guiat a través d'una selecció de peces icòniques de la història de l'art, per proposar-nos una nova aproximació a aquestes obres sempre vistes però mai observades.
En l'exercici de tornar a dibuixar aquestes obres, Julián s'aproxima a elles des d'un punt de vista analític. D'una manera precisa observa i modela les línies fins a arribar a una mena de representació racional d'aquesta pintura.
En contraposició, el collage i els traços desinhibits conformen els personatges que habiten les seves pintures i que suposen aquesta mirada comercial i frívola que també existeix en el món de l'art. En paraules del propi artista, aquests "personatges esbojarrats que segueixen voluntariosament assistint a museus, edificis i ciutats per visitar tot allò que han sentit que cal visitar a cop de Greatest Hits, sense més criteri que el de la cultura de masses".
Una mirada a l'art interessada i interessant, que s'aproxima a aquest des de la curiositat i el respecte, però també des de la ironia i la crítica. "Obra Recent", estarà en Artevistas Gallery del 6 al 30 d'abril.

Norman Reedus és un personatge multifacètic:
Actor americà mundialment famós per la seva interpretació de Daryl Dixon, en un dels papers principals de la sèrie The Walking Dead. També ha fet carrera com a model. Té la seva pròpia companyia de producció Bigbaldhead, on dirigeix curtmetratges.
El 2013, va publicar un llibre de fotografies anomenat "The sun is coming up ... like a big bald head". Un recull d'imatges alucinadas a Nova York, Los Angeles i Berlín (Authorscape).
Fotografies que han estat exposades en galeries als Estats Units (Nova York, San Francisco, Los Angeles ia Europa (Berlín, Hamburg i París) i Barcelona al març.
Les fotografies de Norman Reedus són boniques i terrorífiques, macabres i provocadores, alternant el fosc i el sublim: El tema recurrent de les seves imatges converteix l'inquietant en bellesa.
 

La llum de la foscor Terra Alta parla de la lluita entre la llum d'una naturalesa prístina contra les tenebres del cor enfosquit de l'ésser humà. Parla de l'ànima humana en contraposició a la naturalesa divina que la crec i dels oposats necessaris per a l'equilibri de la vida a la seva Adualidad eterna. L'objectiu de la Terra Alta és el de fer reflexionar a l'espectador, parla de que la vida és l'esdevenir dels esdeveniments, que és pur atzar casual. He intentat plasmar en els meus teles aquest atzar, aquesta possibilitat de ser. Donant una oportunitat als éssers humans davant l'agonia delirant d'aquesta societat malvada.